JANINE ANTONI

Janine Antoni, hermana del escritor y amigo Robert Antoni, ambos originarios de Freeport, Bahamas, ahora residentes en Nueva York. Janine Antoni difumina la diferencia entre performance art y escultura. Explora la feminidad y sus elementos simbólicos. Utiliza el cuerpo no como escenario sino como creador de espacios, entre la performance, la escultura, la puesta en escena. Se convirtió rápidamente en una artista reconocida, sin que sus propuestas sean fáciles. Su feminismo es de una tranquila radicalidad. Las mujeres somos distintas de los hombres y hay símbolos a los que respondemos de manera natural. Ella los transforma en arte subrayando y exacerbando sus connotaciones.

Transformando actividades cotidianas tales como comer, darse un baño o dormir, son modos de hacer arte; la principal herramienta que Antoni utiliza para hacer escultura siempre ha sido su propio cuerpo. Ha tallado cubos de manteca y chocolate con sus dientes, lavado bustos de jabón hechos a su propia semejanza, y utilizado sus señales cerebrales mientras soñaba como patrón para tejer un cordón la mañana siguiente. Estas son algunas de sus obras:

- Los autoretratos en jabón y chocolate: autorretrato en chocolate expuesto a lamido y autorretrato en jabón expuesto a lavado:

- El telar de los sueños: La artista duerme enchufada a un electrocadiógrafo que le mide la acitividad de su corozón mientras duerme. El electrocardiograma, gráfico, que dictan sus sueños, lo borda después en la manta que teje un telar. Esta instalación estuvo en el museo Reina Sofia formando parte de la exposición "Cocido y crudo" en 1994.

- molde del cuerpo de la artista:

- Cubos de manteca de cerdo y chocolate:

- Otras obras:

EXPOSICIÓN ORAL: Monet y el impresionismo

CARACTERÍSTICAS DEL IMPRESIONISMO

El paisaje como tema principal: El paisaje ofrece un campo donde el interes de todos los impresionistas se ve concentrado: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad instantánea.
Ausencia de perspectiva: Los impresionistas eliminan el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina.
Técnica: Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.
Color: Los impresionistas eliminan de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.
Los nuevos pigmentos que usaban los pintores impresionistas era generalmente el óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensable.
A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático. Las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando el fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir creando ilusión de sombra y profundidad. Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruán de Claude Monet. Este uso de los colores sería absorbido después por las primeras vanguardias, especialmente por el fauvismo de Matisse o Gauguin.
Los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac.
Se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. No les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.
Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta).
Al no trabajar en un estudio, se entendían mejor los efectos cambiantes de la luz y los colores en la naturaleza. Se utilizaban paletas de colores reducidas para agilizar las mezclas e intentar captar con mayor rapidez los efectos.

Centrándonos en uno de los artistas propulsores del Impresionismo:

MONET, OBRAS IMPRESIONISTAS A LO LARGO DE SU VIDA

Pintor francés con cuya obra el impresionismo alcanza su cima. Hijo de un modesto comerciante, a los 5 años se traslado con su familia a la localidad atlántica de Le Havre, donde muy pronto empieza a pintar con carboncillo. En 1855 conoce a Boudin, el pintor que le anima a iniciar su carrera artística, y un año después regresar a su ciudad natal.

(Eugen Boudin):

(Obra: Playa 51)

Se inscribió en varias academias, contacta con la pintura de Delacroix, Courbet y Daubingy y en tabla amistad con Pissarro y Renoir y los jóvenes artistas que componen más adelante el grupo de los impresionistas. En 1861 cumple el servicio militar en Argelia, país que encuentra fascinante a través del cual toma contacto con un mundo de luz y color revelador de nuevas emociones. Al año siguiente enferma y vuelve a Le Havre, donde continúa sus paisajes al aire libre junto a Boudin y Jongkind. Se traslada de nuevo a París y asiste a clases en el taller de Gleyre, junto con Renoir, Sisley y Pissarro. Con ellos deja París y se traslada a una aldea próxima a Barbizón, en el bosque de Fontainebleau. En 1865 inicia una composición en homenaje a la obra de Manet, pintor al que admira, pero que no llega a concluir ante los comentarios negativos de Courbet.
OTROS ARTISTAS Y SUS OBRAS:

(Pierre-Auguste Renoir):

(El Columpio 1876):

(Camille Pisarro):

(Boulevard Montmatre)

Su primera exposición en el Salón de 1865 pasa sin pena ni gloria; sin embargo, un año más tarde compone “Mujer en el jardín” con la que obtiene uno de sus primeros galardones, éxito tardío que no le ayuda a mejorar su dramática situación económica; ni siquiera logra impedir que sus cuadros sean embargados y mal vendidos en lotes.

La ayuda de Manet y del marchante Gaudibert le anima a no abandonar los pinceles y a partir de 1869 comienza a representar su tema preferido, la instantaneidad de la luz y el movimiento del rio, a orillas del Sena, donde en compañía de Renoir realiza numerosos estudios del paisaje y los embarcaderos, como “Los baños de Grenouillere en Bougival”.

En 1870 se casa con Camille Doncieux con la idea de residir en Trouville, pero ante la guerra franco-prusiana decide, como otros muchos pintores, huir de Francia. En Londres se reunió con Pissarro y ambos descubren los paisajes de Constable y Turner. La atmosfera brumosa del Támesis les fascina y confirman sus objetivos estéticos de captarla fugacidad de la luz en el reflejo del agua, como anticipa en “Puente de Westminster”. Acabada la guerra visita Holanda y recorre sus canales y molinos. Retorna a su país y se instala en la localidad de Argenteuil, donde permanece hasta 1878 y pinta de forma incansable la naturaleza y las riberas del río con una técnica de pincelada pequeñas, toques de color yuxtapuestos con una intensa luminosidad. En una corta excursión a Le Havre realiza la obra más emblemática del impresionismo, “Impresión, sol naciente” fechada en 1872. El cuadro se exhibe en la organización organizada en 1874 en la Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores.

Se trata de la primera exposición del grupo de los impresionistas, un grupo artístico renovador, que al ser rechazados sistemáticamente en los Salones oficiales, decide organizar una exposición paralela. El cuadro recibe la crítica burlona de un periodista que califica a los artistas con el término satírico “impresionista”, dando lugar al nombre del movimiento. Sigue viviendo en Argenteuil, pero en París también continúa parte de su producción y realiza, en recuerdo de Turner, la serie “La estación de Saint-Lazare”, cuadros que captan el lugar a diversas horas del día e instantes de luz y muestra los distintos efectos que provoca el humo de las locomotoras.

A estos trabajos siguen paisajes nevados, viajes y escenas urbanas, entre las que destaca “La calle de Montergueil con banderas” (1878), verdadero ejemplo de su técnica y colorido. En 1883 compra una casa y se instala en Giverny; surge entonces la serie de cuadros sobre álamos, como “Álamos a orillas del Epte” (1891). En busca de sensaciones atmosféricas y lumínicas comienza en 1892 las más de 30 versiones sobre la “Catedral de Rouen”, recogidas en distintos momentos del día.

Su estilo es ya algo fluido y transparente. En un nuevo viaje a Londres sigue el mismo sistema con “El Parlamento de Londres” o “El Támesis”.

Enfermo de la vista, pasa sus últimos años pintando en su casa de campo de Giverny, donde instala un jardín con estanque y realiza la serie de “Nenufares”, grandes paneles donde su estilo se hace casi abstracto, estilo considerado como la culminación del impresionismo.

Material de investigación empleado para este trabajo: Libros:
Pintores del siglo XIX (Editorial: libsa) Monet (Editorial: Minilibros de arte) Arte y percepción visual (Editorial: Alianza forma)

COLLAGE a partir de una imagen

Me ha divertido hacer este trabajo, y tenía ganas de hacerlo, pero al final me ha resultado bastante pesado.

Aunque parece un trabajo de niños, se tarda mucho tiempo, incluyendo el rato que estas mirando las revistas y escogiendo los colores apropiados de frios y de cálidos, recortándolos con la mano, amontonándolos por colores, etc.

No ha sido tan facil como un collage normal en el que se pegan los trozos al azar: En este, y aunque parecer en algunas zonas que los trozos estan pegados al azar; estan elegidos antes, segun su tono, si es mas claro o mas oscuro, si va a ir en una zona de luz o de sombra, dependiendo de todo eso, y también si el papel es mas grande o mas pequeño, si entra tal cual o hay que recortarlo para darle una forma determinada, etc. Son muchas cosas las que hay que tener en cuenta antes de ppuede egar cada trocito, no es nada facil.

Aun asi, hay partes de las piernas y de la falda que se "camuflan" con el resto del fondo y puede que los contornos de la figura no se distingan muy bien, pero es inevitable porque el fon es oscuro y parte de las piernas y la falda también.

A mi personalmente me gusta mas el de colores frios porque siempre me atrae mas esa gama tonos.

Ha sido un trabajo diferente a los demas realizados hasta ahora, y por eso entretenido.

Este trabajo me ha recordado a un mural mosaico unico en el mundo que vi hace tiempo en una pagina de internet, realizado por muchisimos artistas diferentes, es increible porque cada trocito es otra obra pintada, una imagen que no tiene nada que ver con la que se forma, se puede ver aqui: http://www.muralmosaic.com/Cochrane.html

Texturas

Este trabajo ha sido de los mas complicados, aun así no ha sido el mas dificil. A mi personalmente, no me ha costado tanto como otros porque lo unico que hay que hacer es pintar exactamente igual que la imagen, no hay lugar para imaginar ni inventar, es copiar; por eso que no me ha costado demasiado, el problema viene cuando tengo un trabajo en el que hay que hacer esfuerzo por ver las distintos tonos de las luces, las sombras, elegir el color apropiado, y todo ese tipo de cosas. Pero aquí solo se requiere mucho tiempo y paciencia.

No están perfectos pero me parece que están bastante logrados. De las cinco texturas, tuve muchisima dificultad sobre todo en el humo y el fuego porque al ser algo mas abstracto, sin forma definida, a mi me cuasta mas soltar el pincel y dar forma a algo que en realidad son manchas de color; en cambio los ladrillos y la madera, incluso el pelo tiene una forma definida y es continuar la serie.

Usé los pinceles normales que tengo de acrílico, unos u otros dependiendo de el tipo de textura, pero no usé pinceles microscopicos ni nada de eso; los normales. Tardé mucho en cada textura, pero, aunque es muy pesado, al final terminé enganchada y no quise dejarlo hasta que lo acabé, para ver el resultado final.

trasparencias en lienzos

Fue un trabajo bastante simple, no tuvo mucha complicación, y tardé relativamente poco en hacerlo.
Consistió en hacer en tres o cuatro lienzos de pequeño tamaño una serie de trasparencias de formas simples y geométricas, como veladuras, pero en un acrílico muy aguado, casi acuarela pero sin llegar a perder el pigmento, y solo usando los colores primarios, los demás tenían que formarse ya en la pintura.
Yo hice cuatro porque el primero fue de prueba y no me gustó demasiado como quedaron los cuadros, aún así , se formaron bien los colores como el verde y el morado a partir de sus primarios.
El que más me gustó como quedó fue el atardecer porque de manera muy sencilla y con tres colores y unas cuantas capas, se formó una imagen que dejó de ser algo geométrico.Hubo alguna dificultad debido a la mala calidad de los lienzos, ya que al diluir demasiado el acrílico, se hacían grumos y bolitas; pero para lo que consistió el ejercicio, sirvieron.

DALÍ, ÍNTIMO

"Dalí, Íntimo. Dibujos, apuntes y palabras entre contemporáneos"
Fundación Gala-Salvador Dalí. Círculo de lectores.

Este libro contiene una antalogía de dibujos de Salvador Dalí y de textos de diversos artistas del siglo XX que mantuvieron una relación, más o menos intensa, con el pintorUn libro bastante interesante para quien le guste Dalí. El libro lleva un orden, todas las obras están agrupadas en cuatro series temáticas: la de formación y las vanguardias; Gala o el eterno femenino; los años del surrealismo y los de sus posteriores creaciones artísticas en el campo del dibujo.

Esta obra nos invita a sumergirnos en un mundo recreado, nuevo, único, misterioso y sugerente. A su vez es un libro de gran interés por su caracter inédito, poco conocido, revelador y sorprendente de buena parte de los dibujos de Dalí y de los textos que los acompañan.
Los dibujos que aparecen son, desde esbozos de ideas incipientes y apuntes siempre portadores de su gran personalidad, hasta dibujos de gran precisión, rotundos y definitivos.
Todos los dibujos ofrecen una gran variedad de estilos, técnicas, soportes, periodos e influencias. En ellos está presente el rastro de una mano de trazo firme, geométrico, rotundo; la plasmación de una temática rica, sin limitaciones formales ni de la imaginación.
Dalí domina su arte y nos hace partícipes del mismo. Se halla entre el talento y el genio.

Es un libro de gran interés para quien le guste Dalí. Yo he disfrutado bastante leyendo el libro y observando con detenimiento sus dibujos y bocetos. No solo te das cuenta de su calidad como artista sino también de su gran imaginación e ingenio, que en mi opinión, es eso lo que le hace ser un artista, y distinto a los demás.

"Un gran pintor no tiene derecho a retomar la tradición más que tras haber vivido la revolución, que no es mas que la búsqueda de su propia realidad" Salvador Dalí.

Todas estas imágenes son los dibujos que mas me han impresionado. Sobre todo los dibujos a base de lineas curvas en todas direcciones, son increibles.

bodegón en complementarios

El bodegón de complementarios ha sido el trabajo mas difícil que he realizado hasta ahora durante el curso. Me ha llevado muchísimo tiempo, mas de lo normal, y no solo la pintura, sino también el encaje fue largo y no salió del todo bien.


Elegí el triciclo como bodegón de clase porque creía que iba a ser mas fácil que otros, pero me equivoqué.

Todo el proceso fue muy costoso porque no era una pintura normal, sino que había que hacerlo con las parejas de complementarios, y eso lo complicó todo porque hay que dar las luces y sombras de una manera mas cuidadosa y progresiva que de manera normal (a mi modo de entender) porque si no, no hay contraste de luces y sombras.
No me atreví a meterle a todos los colores sus complementarios porque empecé de ese y modo, y como quedaba tan mal, seguí la forma tradicional de oscurecer y aclarar el color.

Realmente no es un ejercicio que me haya gustado porque, aparte de la dificultad que tiene hacerlo con complementarios, aunque queda muy bonito y colorido (si se hace bien), a mi me parece antinatural. En la vida real no hay colores tan puros y saturados, ni luces y sombras tan coloridas.
A pesar de todo, es un ejercicio que se podría mejorar y mejorar, nunca se podría dar por finalizado porque faltan algunos contrastes de complementarios que no puse porque no me gustaba como quedaban.