domingo, 28 de febrero de 2010

CONTRASTE DE COMPLEMENTARIOS

El trabajo que estoy pintando ahora en clase es un bodegón de complemetarios que cuando esté terminado lo subiré, así que voy a escribir de que se trata el contraste de complementarios y cómo se utiliza:
Este contraste utiliza parejas de complementarios en la composición con el objeto de que el diseño quede cromáticamente equilibrado.

La primera estrategia para trabajar con este contraste es utilizar las tres parejas básicas (amarillo--azul-violeta, cian--rojo y magenta-verde) y tener en cuenta que estas parejas, además de ser parejas de complementarios, cada una de ellas representa también algún otro tipo de contraste.

A veces se utilizan, acompañando a la pareja de complementarios, tonos neutros: blancos, negros o grises para atenuar la fuerza de los polos.

Es interesante no utilizar las parejas de complementarios en su máxima saturación, sino utilizar parejas de complemetarios con grados de saturación inferior, para hacer que este contraste sea mas sutil. Uno puede estar representado en su máxima saturación y llamando la atención, como protagonista, y otro utilizarse como color poco saturado y con un contenido comunicativo ecundario. Desde el punto de vista comunicativo y expresivo, el contraste de complementarios se puede utilizar para guiar al espectador por los diferentes elementos de la imagen: de un color a su complementario y viceversa, o para estructurar la imagen en divisiones sucesivas por parejas.

FUNCIONES COMUNICATIVAS DEL COLOR

1. Atraer la atención
Las imágenes cromáticas despiertan siempre un gran interés. El color es un elemento perceptivo muy eficaz para llamar la atención. Es un reclamo al espectador para que inicie la lectura de una imagen. Se utiliza a veces como distintivo ideológico o emocional, personal o de grupo. Sirve para destacar partes funcionales de objetos. Crea códigos visuales fáciles de reconocer y descifrar.

2. Informar
El color es la herramienta mas eficaz para describir con fidelidad como son los objetos (la superficie, el acabado, la textura, los matices ) y el espacio.

3. Hacer que la información se recuerde
Cuando se quiere que una información o imagen se recuerde, hay que tener en cuenta que cuando los colores ofrecen su maxima saturación nos permiten recordar el croma del objeto con mas facilidad que cuando los colores son agrisados o poco saturados. Se recuerda con mas facilidad la luminosidad u oscuridad del color que su propio croma.

4. Sugerir, crear una atmósfera
El conocimiento de las propiedades del color y su forma de relacionarlas y organizarlas nos permite sugerir o crear ambientes determinados con mucha facilidad: ambientes fríos, cálidos, armónicos, oscuros, luminosos, abiertos, cerrados…

5. Desarrollar asociaciones
Las asociaciones simbólicas adquiridas en el medio cultural en el que nos formamos y los códigos cromáticos utilizados internacionalmente nbos permiten asociar determinados colores con ciertas situaciones y con numerosos conceptos fáciles de codificar y reconocer por una mayoría.

6. Equilibrio vs. Contraste
Busca el uso estético del color. Consiste en elegir gamas de colores que sirven para armonizar o contrastar los elementos de la imagen, para agruparlos o distanciarlos, para matizarlos o diferenciarlos, unirlos o fragmentarlos.

7. El ritmo
El ritmo cromático se utiliza para dinamizar o ralentizar la lectura de una imagen. Este recurso, de índole musicalista, crea simetrías o asimetrías en la estructura cromática de una composición. En su sentido mas tradicional, trasmite orden, regularidad y control.

domingo, 21 de febrero de 2010

CONTRASTES II

ADAPTACIÓN Y CONTRASTE. CONTRASTE SUCESIVO Y POSTIMÁGENES.
La adaptación nos hace corresctamente sensibles por una regulación fisiológica que siempre sitúa en un conveniente nivel medio. Esa adaptación es total cuando cambiamos de ambiente con distinta iluminación, o cuando, en una misma escena, esa iluminación varía. Pero también se producen adaptaciones parciales. La intensidad del flujo varía. La visión rápidamente detecta unas zonas espaciales claras y otras oscuras.
La organización del campo visual es decisiva y determinante en estos casos.
Ahora bien, tan pronto como sometemos al ojo a una fijación continuada en una superficie, sea clara u oscura, parece iniciarse este proceso de adaptación en esa zona concreta. Si al principio esa superficie es intensamente negra, según la estamos observando va pareciendo serlo menos.
Notamos, debido al efecto continuo de la percepción del borde, que éstos parecen todavía mas negros porque su interior se convierte en gris. Si de pronto giramos la vista sobre una zona clara y despejada, notaremos un resplandor que corresponde a la anterior zona retiniana poco estimulada por la superficie negra.
Por el contrario, si también giramos la vista hacia la superficie blanca, el anterior círculo gris claro rodeado de blanco parece mas claro.
Por eso las zonas retinianas, antes oscuras, ahora se ven con mas brillo, mientras que las zonas claras o el gris sobre fondo negro, habiéndose desgastado más, ahora comparativamente son también más oscuras.

domingo, 14 de febrero de 2010

Francisco López - Museo Reina Sofía

En mi última visita al Reina Sofía me gustó bastante la sala de sonidos de Francisco López, me pareció interesante y me sorprendió que este tipo de arte se expusiera en un museo, pero a la vez estoy de acuerdo en que esto también es arte y por qué no va estar expuesto en un museo, así como otros tipos de arte que acostumbramos a ver en la calle o en lugares poco reconocidos. Creo que sobrevaloramos demasiado el típico arte de pinturas o esculturas que se expone en los museos, y artes menos habituales o diferentes como éste,lo damos de lado.

A continuación vemos de qué se trata la obra de Francisco López, su trayectoria artística, y lo que le lleva a realizar este tipo de arte:


A lo largo de su extensa trayectoria como artista sonoro, Francisco López ha explorado el universo del sonido de banda ancha en el mundo real.
Su fascinación por los sonidos le han llevado a buscarlos desde la Patagonia a Tokio, desde las selvas tropicales de América hasta el desierto de Dakar. Una multitud de sonidos con texturas extremadamente ricas surgen y constituyen la banda ancha de sonidos ambientales.
La esencia de estas grabaciones no es la de documentar un planeta más diverso y significante, aunque incluyan la documentación y catalogación de los fenómenos sónicos de la biosfera, sino una forma de enfocar y acceder al interior del mundo de los sonidos. La razón por la que la perspectiva ambiental es importante para él es porque reconoce y diferencia las fuentes de sonidos para la apreciación del sonido resultante.

La principal preocupación del Foro Mundial de Ecología Acústica es la polución sonora, lo ruidoso que es el mundo. A pesar de su formación como biólogo y el énfasis puesto en la bioacústica, Francisco López se muestra crítico con este planteamiento y se pregunta: “¿acaso el mundo no debería ser ruidoso? ¿es mejor la naturaleza cuando está mas tranquila? ¿son las máquinas malas porque hacen mucho ruido?

La intención del artista es la de crear una imagen sónica del mundo no barnizada, presentar las cosas como son. Lo esencial es la materia sonora. No se trata de reemplazar la experiencia “real” del sonido, de reproducir el mundo, sino que este material sónico sea ofrecido al oyente y que éste pueda experimentarlo personalmente en una dimensión profunda.
Francisco López lleva el sonido hacia una posición radical, no le guía una concepción moral, ni la búsqueda de aceptación social en el campo de la música experimental, sino un camino de exploración personal. El arte sonoro ha ido desplegándose por diversas rutas transgresoras, entre las que no hay que olvidar las emprendidas por John Cage o por los integrantes del movimiento Fluxus.

El trabajo de López como artista sonoro, enmarcado en la música electroacústica. Está influido por la música concreta que inaguró el compositor francés Pierre Schaeffer a mediados del siglo pasado.
López reinterpreta los conceptos de la música para proponer lo que él llama “música concreta absoluta”, una inmersión en la materia de sonido que implica una escucha profunda. Realiza un trabajo creativo con todos los niveles profundos de intensidad, y se enfrenta al sonido en su pura fisicidad.

No busca convertir el sonido en lenguaje, ni suscitar metáforas visuales, su afán es obtener una escucha profunda, una experiencia fenoménica del sonido real.
Los espacios en los que este artista suele presentar sus trabajos son salas de concierto de todo tipo, lugares industriales en desuso y sitios poco habituales para estos acontecimientos, como el túnel del metro de Atenas o en un deposito de agua subterráneo de Melbourne. La elección del lugar en el museo ha estado determinada por la búsqueda de un espacio neutro e íntimo, fuera de los espacios expositivos habituales, donde lo visual no distorsionara ni descentrara el material sónico.

La mayoría de sus piezas son solo numeradas para no inducir ni evocar ningún aspecto narrativo. No trata solamente de crear una experiencia de escucha, sino que a través de ésta se acceda a niveles de percepción y entendimiento de una realidad mas accesible.

COLECCIÓN PERMANENTE - Reina Sofía











Después de Navidad volví al Reina Sofía para ver las exposiciones permanentes del museo y después analizarlas en el cuaderno de bitácora de bases didácticas. Siendo sinceros, muchas de las obras no me gustaron demasiado porque no encontré su sentido, otras si tenian significado.

Me gusta mas ver exposiciones permanentes de artistas porque están cmprendidas en una lógica y un contexto; en cambio las colecciones de los museos tienen obras diferentes entre sí y sin relación con las demás, son individuales y sin conexión.

Me gustó en particular Los trajes de Brukman porque era una obra crítica realizada por costureras que trabajaban en una fábrica de Berlín.

Esas fotos de arriba son algunas de las obras que vimos de la colección del museo.

Retrato interpretado

El retrato interpretado me llevó menos tiempo que el anterior porque no tenía que hacerlo de forma precisa para parecerme sino como yo quisiera.
Lo hice todo con líneas rectas porque quería hacerlo geométrico para que fuera diferente a una cara normal, con formas artificiales.
Quise hacerlo solo con 3 colores, y al principio empecé con colores cálidos rojos, naranja y amarillo, pero no me gustaba como quedaba, y me pasé a los colores fríos porque me sentía así y esos colores me identificaban en ese momento mucho mas que los colores cálidos así que me pinté de morado, azul, y amarillo; y con rasgos geométricos, de forma artificial.

Con esta interpretación me he dado cuenta que no hacen falta muchos colores para que se puedan apreciar en una pintura las formas y contornos y las distintas partes de luz y sombra.

Retrato realista

Este trabajo es el que mas me ha motivado de todos los que hemos hecho en clase hasta ahora. Hay mucha diferencia entre un simple bodegón de clase que además de ser todos muy feos, acaban cansándote y aburriendo; y un retrato, además de uno mismo ya que te obligas a hacerlo bien porque quieres parecerte y hasta que no logres el resultado que quieres, no paras.

Fue todo un reto pintar un autoretrato porque cualquier pincelada en la cara te aleja o te acerca a tu cara real, por eso hay que hacerlo con muchísimo cuidado, sobre todo la zona de los ojos, la nariz y la boca, que son los rasgos principales que definen físicamente a cada persona.

Al principio intenté hacerlo de colores mas parecidos a la piel real y no tan rosados, pero fue saliendo así y tampoco quedaba mal, así que lo dejé con un tono quizás demasiado rosa para ser real, pero combinado con el resto de colores, apenas difiere mucho de la realidad.

Lo que mas me costó pintar fue sin duda los ojos, sobre todo el derecho, porque no me salía la expresión y tuve que hacerlo y rehacerlo muchísimas veces hasta que me gustó mas o menos como quedó. Me di cuenta que los ojos y los labios marcan la experesión de las personas y que cualquier pincelada mal puesta, que agrande un poquito o adelgace los labios, los párpados, o los ojos, cambia la expresión y ya no te pareces tanto. Hay que hacerlo con mucho cuidado.

También fue dificil hacer el pelo, acertar con el tono marrón, y que pareciese pelo real, alborotado por el viento. Y pintar pelo por pelo me llevó bastante tiempo, pero no había otra manera de hacerlo.

Este trabajo ha sido útil para aprender que nuestra piel tiene un único tono, pero en realidad a la hora de pintarla, no la vemos como tono único sino que hay muchas carnaciones, partes mas oscuras, mas claras, mas rosadas, etc, que dan volumen a la cara y adquieren ese color según la luz que le de.

Después de pintar un autorretrato, volver a los bodegones va a ser algo aburrido y monótono, pero es lo que hay.