PAUL GAUGUIN - Escritos de un salvaje

Paul Gauguin - Escritos de un salvaje. Ediciones Istmo, S.A., 2000

Si hay un personaje legendario entre los artistas modernos, ese es Paul Gauguin. La leyenda, el mito, el personje novelesco que él mismo tanto contribuyó a crear nos ha hecho, en muchos casos, muy dificil distinguir lo que de verdad y mentira, de hechos y de literatura existe tanto en su biografía como en su figura artística. Su alejamiento de Europa, que oscurecía convenientemente su perfil tras una cortina de aventura, locura o valentía o, simplemente inadaptación, contribuyó en gran medida a la creación de un mito que, tanto él como sus amigos se ocuparon de preservar cuidadosamente desde la lejanía.

Quizás esperaba mas de este libro, en mi opinión no me ha gustado tanto como creía. Gauguin habla demasiado de su vida en un lugar, otro, su opinión y relación con otros artistas, etc. y apenas cuenta nada de su pintura, su arte, sus cuadros, y su particular modo de entender el color.

En realidad la forma de pintar de este artista no es de mi agrado, aunque sin duda reconozco que es un gran artista moderno. Lo que admiro de él es su originalidad y diferencia respecto a otros artistas. Según Gauguin, para buscar la verdad en el arte había que remontarse a los orígenes, a las cosas en estado puro, salvaje, a la humanidad en estado infatil; por eso pinta de esa manera y viaje a lugares salvajes; él es o quiere ser un salvaje.

Lo que mas me gusta de este artista sin lugar a dudas es que su arte tiene su punto de partida en las emociones, trasmitidas a través del color, un color libre y arbitrario, y no sigue las reglas académicas y los colores de la realidad. Se trata de emociones y sensaciones que se originan en el propio pintor y que hacen referencia a una visión interior que obsesionaba a Gauguin. Una visión liberada del estudio visual de la realidad. Por eso el pintor llegaba mucho mas allá de la realidad tangible.

PASAJES DE LA ESCULTURA MODERNA

"Pasajes de la escultura moderna" Rosalind E. Krauss. Editorial akal/arte Contemporáneo.

La distinguida historiadora y crítica de arte Rosalind Krauss analiza con excepcional claridad y perspicacia las obras mas importantes que han conducido la escultura del siglo XX de lo tradicional y figurativo al revolucionario arte conceptual de los años setenta; un arte que desarrolla una nueva 'sintaxis' al sustituir lo 'narrativo' por un impacto instantáneo, desbrozando audazmente nuevos territorios. Tras un incisivo estudio de la modernidad de Rodin al rechazar lo 'narrativo' en Las puertas de infierno, la autora examina detallada y brillantemente el futurismo, el constructivismo, los readymades de Duchamp, el arte de Brancusi, el Tanktotem de David Smith, el realismo escultórico y la introducción de la luz, el movimiento y los elementos teatrales en las esculturas de Picabia, Calder u Oldemburg, así como escultores posteriores como Carl André, Blochner y otros (entre ellos Robert Morris, Don Judd, Richard Serra, Sol LeWitt, Robert Smithon y Michael Heizer). Como crítica y teórica, Krauss satisface las demandas de los más exigentes".

Este libro para la asignatura de técnicas escultóricas es complicado de entender, y a veces resulta muy pesado, aún así me ha venido bien para aclarar conceptos sobre el surrealismo, futurismo, minimlismo, artistas de readymades, etc. Ayuda bastante a la comprensión las imágenes de las obras escultóricas con sus notas debajo.

Está dividido en 7 capítulos, algunos de ellos mas interesantes y entretenidos que otros:

1. El tiempo narrativo: la cuestion de Las Puertas del Infierno.

2. El espacio analítico: futurismo y constructivismo.

3. Formas del readymade: Duchamp y Brancusi.

4. Un plan de juego: los términos del surrealismo.

5. Tanktotem: imágenes soldadas.

6. Ballets mecánicos: luz, movimiento, teatro.

7. Doble negativo: una nueva sintaxis para la escultura.

De todos ellos, para mí el mas interesante fue el del surrealismo, del que hare el trabajo para técnicas escultóricas, también me parecieron temas interesantes el capítulo 7 que habla sobre el minimalismo, y el 3, distinciones y comparaciones entre Duchamp y Brancusi.

IMPRESIONISTAS

Impresionistas, Simona Bartolena, editorial Electa.


Cansados del rancio academicismo, de la monótona repetición de temas y modelos, de la banalidad del gusto de público y crítica, hacia 1860 un grupo de jóvenes pintores franceses tiene la audacia de abrir las ventanas de par en par e inundar la pintura de aire fresco, luz, gusto por la realidad y pasión por la vida. Nace así el impresionismo. Esa irrepetible generación de pintores que se congrega en París está formada por Monet, Renoir, Manet y Sisley, a los que mas tarde se unirán otros como Degas, Gauguin o Cézanne. Cada uno de ellos aporta al movimiento su propia personalidad, pero entre todos contribuyen al desarroyo de una corriente que habrá de cambiar de manera radical el curso de la historia del arte.

Es un libro bastante interesante, no es monótono y aburrido porque esta dividido por capítulos:
- Los orígenes 1867-1874
- La revolución impresionista 1874-1879
- Los años de oro 1874-1879
- El equilibrio se rompe 1879-1886

y éstos a su vez tienen distintos apartados según el tema que traten, ninguno de ellos supera nunca mas de dos caras. Los apartados son:

- El contexto histórico y artístico.
- La vida y las obras.
- El análisis de las grandes obras.

Me compre el libro en la tienda de la fundación Mapfre, cuando fui a ver la exposición de los impresionistas, y de todos los libros que había sobre el tema, este fue el que mas me gusto porque está escrito a modo de guía, con distintos apartados, comentarios a pie de foto y muchísimas imágenes. Por eso me ha resultado muy útil ya que el impresionismo es un periodo en la historia del arte que me gusta.

DALÍ, ÍNTIMO

"Dalí, Íntimo. Dibujos, apuntes y palabras entre contemporáneos"
Fundación Gala-Salvador Dalí. Círculo de lectores.

Este libro contiene una antalogía de dibujos de Salvador Dalí y de textos de diversos artistas del siglo XX que mantuvieron una relación, más o menos intensa, con el pintorUn libro bastante interesante para quien le guste Dalí. El libro lleva un orden, todas las obras están agrupadas en cuatro series temáticas: la de formación y las vanguardias; Gala o el eterno femenino; los años del surrealismo y los de sus posteriores creaciones artísticas en el campo del dibujo.

Esta obra nos invita a sumergirnos en un mundo recreado, nuevo, único, misterioso y sugerente. A su vez es un libro de gran interés por su caracter inédito, poco conocido, revelador y sorprendente de buena parte de los dibujos de Dalí y de los textos que los acompañan.
Los dibujos que aparecen son, desde esbozos de ideas incipientes y apuntes siempre portadores de su gran personalidad, hasta dibujos de gran precisión, rotundos y definitivos.
Todos los dibujos ofrecen una gran variedad de estilos, técnicas, soportes, periodos e influencias. En ellos está presente el rastro de una mano de trazo firme, geométrico, rotundo; la plasmación de una temática rica, sin limitaciones formales ni de la imaginación.
Dalí domina su arte y nos hace partícipes del mismo. Se halla entre el talento y el genio.

Es un libro de gran interés para quien le guste Dalí. Yo he disfrutado bastante leyendo el libro y observando con detenimiento sus dibujos y bocetos. No solo te das cuenta de su calidad como artista sino también de su gran imaginación e ingenio, que en mi opinión, es eso lo que le hace ser un artista, y distinto a los demás.

"Un gran pintor no tiene derecho a retomar la tradición más que tras haber vivido la revolución, que no es mas que la búsqueda de su propia realidad" Salvador Dalí.

Todas estas imágenes son los dibujos que mas me han impresionado. Sobre todo los dibujos a base de lineas curvas en todas direcciones, son increibles.

EL COMPLOT DEL ARTE - Ilusiones y desilusiones estéticas

El complot del arte – ilusiones y desilusiones estéticas, Jean Baudrillard. Amorrortu/editores, colección Nómadas.

Jean Baudrillard es considerado como uno de los teóricos más importantes de la posmodernidad. Destaca sobre todo por su interés en el arte y la cultura visual contemporánea, la forma, los valores estéticos, los medios de comunicación y la sociedad de consumo; así como por su particular visión del universo hiperreal que nos rodea.
En El complot del arte. Ilusión y desilusión estéticas, Baudrillard se centra en el estudio de la realidad artística contemporánea y en el contexto visual, publicitario, masivo y de consumo que tanto le influye. En líneas generales, podría resumirse que para él, vivimos en una sociedad en la que predominan las pantallas y las imágenes banales, vacías y superficiales. Unas imágenes tan reales que han perdido el poder de crear ilusión porque ya no hay cabida para el secreto ni para lo oculto, ya no hay magia ni misterio en el arte porque todo se muestra. En un mundo que se ha vuelto mercantil y estético, ya todo se muestra excesivamente al detalle; incluso el arte ha perdido su trascendencia, víctima de la extinción de valores generalizada.
Estructuralmente, se trata de un libro que bien podría considerarse como una recopilación de fragmentos. A los dos artículos que componen el marco teórico de la obra (“Ilusión, desilusión estéticas” y “El complot del arte”), les siguen cuatro entrevistas al autor que ayudan a comprender y a profundizar en sus teorías. Gracias a estas variadas perspectivas, el lector consigue una visión global del mensaje que le permite extraer sus propias conclusiones.
La peculiar visión de Jean Baudrillard está presente en cada página de esta breve obra recopilatoria. Por ello mismo, se convierte en un libro muy recomendable para todos aquellos interesados en el propio autor o en la posmodernidad en general. Con este recorrido por la cultura visual, la estética y el arte contemporáneos, se nos da la posibilidad de comprender el posicionamiento de uno de los teóricos más influyentes en la materia de los últimos años.

Es un libro, aunque corto, dificil de leer y dificil de entender. Tiene una lógica complicada, te pierdes facilmente si no tienes gran capacidad de concentración, también usa un vocabulario a veces dificil y poco común. Todo eso hace que cuando empiezas a leer, se te quiten las ganas aunque tengas interés por su contenido. La verdad es que parece un artículo cientifico, técnico y filosófico sobre la certeza del arte, o puede que lo sea; por eso me ha desilusionado bastante este libro, porque creia que iba a ser de otra manera.
No estoy de acuerdo con muchas ideas de Jean Baudrillard, aunque puedo llegar a entender su postura y su lógica sobre el arte.
No aconsejo este libro a nadie a no ser que esté realmente interesado en el tema. Este libro no me ha aportado gran cosa, salvo saber lo que piensa Baudrillard sobre el arte contemporaneo, que nunca está demás, pero hay muchisimos libros mejores en los que invertir el tiempo.

ARTE DEL SIGLO XX: apuntes al principio de un siglo

Vicente Alemany Sánchez-Moscoso, arte del siglo XX: apuntes a principio de un siglo, Biblioteca de Humanidades coord. Quintín Racionero, ISBN:84-9772-035-0 Publicaciones del departamento de filosofía de la U.N.E.D

El siglo XX ha asistido a un espectacular desarrollo artístico rodeado de polémica. Desde las primeras décadas de siglo, la Vanguardia ha defendido la autonomía del artista y la relación entre el arte moderno y el progreso social. Distintos avances científicos, tecnológicos y culturales han influido en la producción de los artistas; algunas propuestas han pretendido subvertir el orden político y social de su época. A final del siglo se ha producido un crecimiento desordenado del medio artístico y la figura del creador se ha identifivado con la de los profesionales de la comunicación y el espectáculo. A comienzos del siglo XXI los medios tecnológicos permiten producir imágenes con mucha facilidad; éstas posteriormente pueden ser manipuladas, distribuidas y promocionadas por distintos canales y para el espectador resulta necesaria la selección de la oferta. El objeto del presente libro es mostrar criterios para ayudar al lector en esta tarea.

La primera parte del libro es la presentación. Se centra en entender el arte como una parte de las humanidades ya que el arte también es un modo de relación entre los individuos, constituyendo un espacio de comunicación e integracíón cultural. También explica una propuesta de lectura para leer el arte de todo un siglo, ya que este manual se plantea desde la valoración crítica del arte de un siglo que ha sufrido la significativa presencia de la Vanguardia.

En la siguiente parte, el autor habla sobre los orígenes del arte del siglo XX; todos aquellos artistas que construyeron su propio arte basandose en lo original y primitivo. Constantine Brancusi, Louise Bourgeoise, Picasso, Marcel Duchamp etc. y también sobre las principales características de las distintas vanguardias; el cubismo, el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo...

Después el autor habla sobre las propuestas. La evolución que sufre el arte moderno en EE.UU dando lugar al expresionismo abstracto norteamericano con Jackson Pollock, el informalismo europeo de Jean Dubuffet, el neodadaísmo, el ready-mades, el pop art con el independent group, Andy Warhol; y el nuevo realismo en diferentes grupos, de niza, parís, etc.

La siguiente parte habla sobre las respuestas que se dieron a las propuestas americanas y europeas:
respuestas americanas: postminimal, land-art, arte conceptual. Y respuestas europeas: fluxus, arte povera, accionismo vienes.
La creación de Joseph Beuys, un artista como chamán influenciado por su experiencia vital, y Andy Warhol, un artista de consumo de la imagen.

La última parte del libro se centra en los años 80 y 90. De la transvanguardia al multiculturalismo, las últimas tendencias del arte postmoderno. Décadas caracterizadas por la dispersión, crisis de identidad y de lenguaje de los artistas.

Es un libro interesante para leer con calma y prestando atención, es conveniente leerlo si te quieres enterar de todos los movimientos artisticos del siglo XX, y saber de que manera unos influyen en otros y están conectados entre sí. Desde mi punto de vista, es mejor leerlo cuando tienes un poco de idea sobre el arte de este siglo, y aunque no lo sepas muy a fondo, te suenen artistas, obras y movimientos, porque si alguien comienza a leer el libro sin apenas tener idea del arte del siglo XX, no va a aprender mas sino lo contrario, va a formarse un lio mental muy grande, que es algo parecido a lo que me pasó a mí. Por eso he tenido que leerlo una segunda vez cuando ya sabía un poco mas y conocía a los artistas que se citan en el libro.

EL RETRATO DE GIACOMETTI, James Lord

James Lord, Retrato de Giacometti. La balsa de la Medusa. Madrid ISBN:84-7774-620-6

James Lord, escritor de este libro y gran amigo de Giacometti, nos cuenta la experiencia que vivió junto al artista al posar para un retrato que en un principio se realizaría en una sola sesión, pero al que Giacometti necesitó dedicarle diecisiete sesiones diarias más, hasta finalizar el retrato “inacabado” de J. Lord.

El autor nos desvela, a partir de sus emociones y recuerdos, como se desarrollaron cada una de esas sesiones junto a Giacometti, porque iba apuntando pequeñas notas en una libreta sin que lo supiera Giacometti, ya que estaba seguro que si se sentía observado no actuaría con la misma naturalidad.

Cuenta del pintor y escultor sus vivencias y costumbres, además de sus obsesiones, inseguridades y miedos revelados por el artista durante su jornada de trabajo, como su obsesión por lograr algún día retratar la realidad con ese parecido que cree inalcanzable. A medida que avanza el libro, Lord explica como transcurrían esas sesiones, como Giacometti se centra en la cabeza del escritor dejando en un segundo plano el resto de la composición. También cuenta como el artista llega a desesperarse por la obra, amenazando en varias ocasiones con destruirla o empezar de nuevo. Se aprecia como el retrato alcanza su culmen para posteriormente, en minutos, volver a diluirse. Finalmente, tras el decimoctavo estado del cuadro, Lord decide finalizarlo porque tiene que marcharse de viaje y no quiere retrasarse mas, y porque sabe que si no pone una fecha, podrían seguir así años. Dando por acabado un retrato que muchos pensaran que "es ínfimo comparado con la persona real" mas Giacometti es el primero que sabía que un retrato tan sólo puede conseguir cierto parecido con la realidad. Quedan en volver a ver y "terminarlo" algún día.

Giacometti guarda parecido con Cezanne porque raja sus lienzos y los deja sin terminar. Podemos describirlo como un artista existencial porque desea representar todo lo que ve, hacer tangible una sensación intangible, aunque sabe que eso es imposible, y que un ratrato solo puede conseguir cierto parecido con la realidad.

Siempre representa cabezas o bustos, ya sean en pintura a modo de retrato o en escultura, muchos de ellos de su hermano Diego. Con ello descubre que por mas que quieras hacer algo diferente, siempre guardara un parecido o una misma forma con otras creaciones.

Giacometti es un artista que siempre trabajaba con luz natural y nunca acababa sus cuadros; nunca confía en sus logros pasados, es demasiado inseguro y no confía en sí mismo como artista, es excesivamente humilde y sencillo, desesperado, pensativo, melancólico. Y creo que todo eso es lo que hace de el un ARTISTA diferente a todos los demás. Pienso que en el arte, el ego está por las nubes, y Giacometti muestra una visión distinta a esto, y el ser humilde y sencillo hace que nunca vea su trabajo del todo bien y eso le obligue a perfeccionarlo cada vez mas. Esto puede ser una virtud para el arte siempre y cuando no se lleve a tales extremos.

Me ha gustado bastante el libro porque ha sido facil de leer, y porque me ha enseñado bastante, sobre todo me he dado cuenta que no solo hay artistas que se creen dioses, sino que seguramente existan artistas tan particulares como Giacometti.

Me he sentido muy identificada con el, con esa sensación costante de querer romper la obra y todas las que tiene, de dejar de pintar para siempre, y de sentir que no sabe y que es un negado y su cuadro es una mierda.

A pesar de tener esa actitud durante casi todo el libro, no ha sido monotono ni aburrido sino todo lo contrario.

EL LENGUAJE VISUAL - María Acaso

- María Acaso, El lenguaje visual. Editorial Paidós Arte y Educación

- El libro se compone de 4 capítulos:
Capítulo 1. Del lenguaje visual al mensaje visual.
Capítulo 2. Herramientas del lenguaje visual
Capítulo 3. Tipos de representaciones mediante el lenguaje visual
Capítulo 4. Una propuesta de Análisis.
En todos ellos pretende dar una visión clara de cuáles son las herramientas empleadas en la creación de una representación visual y de los diferentes tipos de representaciones que se crean mediante dichas herramientas y que concluye con un sistema de análisis para que tu mismo puedas comprobar el enigma del lenguaje visual.
Se trata de una obra de especial interés no solo para los creadores de imágenes sino para todo aquel que, preocupado por los mensajes visuales en el mundo que nos rodea quieran llegar al verdadero mensaje que las representaciones visuales esconden.

- Este libro ayuda a no ser tan vulnerable y facilmente manipulable ante la sociedad. A cuestionarte más todo lo que entra por tus ojos y ponerlo en duda, ya que la mayoría de imágenes están creadas con un fin.
Después de leer el libro, de manera incosciente te das cuenta de que te fijas en cosas que antes pasabas por alto y no entendías ni prestabas atención. Con ésto he conseguido obtener cierta información de algunas imágenes que no hubiera podido sin leer el libro; y al poner en duda la imagen, consigues obtener el auténtico significado un poco ocultado o no mostrado de manera tan explícita.
Me he dado cuenta de que casi todas las imágenes que vemos en cualquier sitio a lo largo del dia no son casuales sino intencionadas, están hechas con un fin, y muchas de ellas manipuladas para obtener algo en el espectador.
Es una pena que la vista, que es el sentido del que más información obtenemos, esté tan manipulado.

CARTAS A THEO - Vincent Van Gogh

- Vincent Van Gogh, "Cartas a Theo". Editorial Alianza.

- El libro es un conjunto de cartas ordenadas cronológicamente de Van Gogh a su hermano Theo sobre la experiencia de su vida como pintor, aun sin ser reconocido como artista.
Una gran parte del conocimiento que se tiene sobre Van Gogh deriva de sus cartas. Se conservan más de seiscientas cartas de Vincent a Theo. los historiadores de arte han sido capaces de ordenar esta correspondencia, en gran parte, de manera cronológica. La recopilación de estas fuentes textuales ha sido muy valuosa para establer las bases de lo que se conoce sobre los hermanos Van Gogh. Es interesante hacer constar que el periodo en el que la vida de Van Gogh es más oscura, es el de su etapa de París, ya que Theo y Vincent vivían juntos sin necesidad de escribirse y por lo tanto hay menos información.

- Para saber de que trata el libro, en vez de hacer un breve resumen sobre el contenido, que como ya dije antes trata de las experiencias pictoricas del pintor, voy a poner algunas frases que me gustaron y pueden resumir el pensamiento de Vincent Van Gogh como artista, sobre su estilo pictorico y sus dificultades y problemas a lo largo d su vida artística y también en su vida personal.
-“Me encuentro en estos momentos en una atmósfera que me exalta con tal pujanza, que ordena, regula, afirma, renueva y engrandece mis pensamientos hasta tal punto, que estoy completamente poseído”.
- “Somos lo que eramos ayer”.
- “Pero allí donde la simpatía renace, renace la vida”.
- “No sabremos decir nunca qué es lo que nos encierra, lo que nos cerca, lo que parece enterrarnos, pero sentimos sin embargo, no se qué barras, qué rejas, qué paredes, ¿todo resulta imaginario, fantasía? Pienso que no…”
- “Es necesario haber amado, después perder el amor, y luego volver a amar todavía”.
- “Se resigna aquel que puede resignarse, pero si podeis creer, entonces creer”.
- “El que ama vive, el que vive trabaja, el que trabaja tiene pan”.
- “El que busca encuentra, aún cuando el hecho de encontrar sea una felicidad y no un mérito para nosotros”.
- “Las pasiones son las velas de la barquichuela”.
- “Yo busco, yo persigo, y lo hago con todo mi corazón”.
- “Tanto en el paisaje como en la figura, mi intención sería poder expresar un profundo dolor, no únicamente un sentimentalismo melancólico”.
- “El arte exige un trabajo obstinado, un trabajo a pesar de todo yy una observación siemore continua y alerta”.
- “El sentimiento y el amor de la naturaleza encuentran su voz en aquellos que se interesan por el arte”.
- “Hay cosas en el color que surgen en mi mientras pinto y que no poseía antes,cosas grandes e intensas”.
- “El sentimiento es una gran cosa, sin la cual no se podría ejecutar nada”.
- “Te pido tan solo que no vayas al encuentro de ideas mejores que las que ya llevas dentro”.
- “Para mi los grandes coloristas son aquellos que no hacen el tono local”.
- “Cuando me refiero a que soy un pintor de campesinos, es totalmente cierto”.
- “Me resultaría doloroso el no hacer cuadros de tal manera que no provocasen serias reflexiones entre aquellos que meditan sobre el arte y la vida”.
- “No me gustaría que mis figuras fueran buenas, me desagrada que sean académicamente correctas”.
- “Para obtener algo cálido hay que ir con color, si no, no se ahuyenta facilmente el frío”.
- “Ciertamente, podemos llegar a entender por qué hallamos bello lo que se halla bello estudiando las leyes de los colores, en lugar de tener una fe instintiva en los grandes maestros”.
- “Los verdaderos pintores son aquellos que no hacen el color local”.
- “El color, como tal, expresa alguna cosa, es inconcebible ignorarlo y hay que aprovecharlo”.
- “Lo que crea belleza y es ciertamente bello, es, de igual manera, verdadero”.
- “Un pintor, por regla general, deber ser única y solamente pintor”.
- “Aquí no he hecho mas que pintar incansablemente para aprender a pintar”.
- “Me gusta mas pintar los ojos de los hombres a las catedrales, ya que encuentro que en ellos hay algo de lo que las caredrales carecen, aunque sean majestuosas y se impongan; el alma de un hombre, aunque sea un pobre vagabundo o una muchacha de la calle, me parece mas interesante”.
- “Porque el arte es grande cuando es simplemente verdadero”.
- “Todos los colores que el impresionismo ha puesto de moda son cambiantes”.
- “Uno se consolaría si supiera que va a venir una generación de artistas más felices”.
- “En los estudios fracasados, cuando se ama al artista, uno no encuentra tanto que criticar y se calla”.
- “Siempre se pierde cuando se está aislado”.
- “Pienso en lo corta y pasajera que es la vida; entonces, siendo pintor, hay que pintar por lo tanto”.
- “El hombre se vuelve ambicioso en el momento en que no se excita”.
- “La vida, ¿es enteramente visible para nosotros, o bien no conocemos antes de la muerte más que un hemisferio?”.
- “Es preciso vivir; ya que no hay que andar con rodeos, porque cualquier día puede aparecer una crisis: ¡qué fugaz es la vida y cómo es humo!”.
- “El mejor camino existente para conseguir buenos resultados es realizar figuras”.
- “Mi intención no es reproducir tal y como está lo que tengo delante de los ojos, sino que me sirvo arbitrariamente del color para expresarme con firmeza”.
- “Tenemos que vivir como los monjes ermitaños, con el trabajo como pasión dominadora, dejando de lado el bienestar”.
- “Me encuentro en la búsqueda incesante de una técnica simple, que tal vez no sea impresionista”.
- “La vida, no obstante es corta, y mas cortos son los años en los que nos sentimos lo suficientemente valientes para enfrentarnos a lo que sea”.
- “El que hiciera el color exacto o el dibujo exacto, no provocaría esas emociones”.
- “Ocurre que el color no es verdadero desde el engañoso punto de vista realista, sino un color sugestivo de una emoción cualquiera de ardor y temperamento”.
- “Puedo en la vida y también en la pintura privarme de Dios, pero no puedo, sufriendo, desposeerme de algo más grande que yo, que es mi vida, la potencia de crear”.
-“Me gustaría, a través de un cuadro, expresar algo consolador tal y como ocurre con la música”.
- “La vida es muy corta para hacerlo todo”.
- “Me encantaría estar acompañado; a pesar de que no lo esté; evito caer en la melancolía, ya que pienso que llegará el día en que sí esté acompañado”.
- “Estoy empezando a asumir que la locura es una enfermedad como lo pueda ser cualquier otra y lo acepto como tal”.
- “La sensación que tengo como pintor es que carezco de cualquier tipo de trascendencia”.
- “No te hahas impresionista exclusivo; ya que si se encuentra cierta calidad por otros caminos, debemos de estar atentos”.
- “Tenemos que recordar que las fuerzas que mueven nuestra vida son las pequeñas emociones, y las obedecemos incoscientemente”.
- “Espero que la familia tenga la misma importancia para ti, que para mi la naturaleza”.
- “Si me atreviera a dejarme llevar, a arriesgar más, a salir de la realidad y hacer con el color como una música de tonos…”
- “No pienso llorar por lo que pudiera haber sido”.

Dando una opinión crítica y personal, me ha parecido un libro que encierra muchas verdades a lo lago de todas las cartas y la mayoría de ellas muy bellas; tanto a nivel artístico en la pintura de Van Gogh, como en su vida más íntima. Si prestas mucha atención a lo que lees, es posible aprender muchas técnicas sobre su pintura, y sobre todos los colores: por qué usaba unos y no otros, cómo los utilizaba, en qué casos, etc. Además de uno de los mejores pintores, con este libro deja claro que también es un buen escritor.

El único problema que he tenido a la hora de leer es que muchas veces no me he enterado bien de lo que quería expresar porque trataba sobre temas de la pintura que yo no conocía, así que si tubiera que leerlo de nuevo, quizás esperaría un poco a conocer más el mundo de la pintura y a numerosos pintores nombrados en el libro que tampoco conocía.

Lo que mejor se me ha quedado al leerlo es que sus pinturas no le caían del cielo sino que tenía que trabajar y esforzarse por conseguir un estílo propio y único, y eso es lo que cuenta. Él no vendía cuadros pero no por eso cambiaba sus costumbres, su modo de pintar; el ponía su alma en lo que hacía, independientemente de las circustancias y aunque después no tubiera dinero ni para comer. Y eso es lo bonito de pintar, crear arte, independiente de las circustancias, independiente de todo, solo el cuadro y el pintor, volcándo todo el interés en eso, sin que nada que haya alrededor afecte (algo realmente dificil de conseguir porque yo creo que, cuanto menos ignorantes somos, menos libertad de pensamiento tenemos).