RAMÓN GAYA, homenaje a la pintura. IVAM

Con motivo del centenario del nacimiento de Ramón Gaya, el IVAM ha querido sumarse a los mismos con la exposición Ramón Gaya. Homenaje a la pintura.

Ramón Gaya se consideraba “un pintor que escribe”. Su legado es una obra pictórica dotada de una gran coherencia, que poco a poco se va depurando, haciéndose progresivamente más esencial, pintando cada vez más con menos y sin perder nunca el referente de la realidad.

La exposición de cincuenta cuadros es, pues, una magnífica ocasión para contemplar una selección de pinturas de las que buena parte son “homenajes”, es decir encuentros de Ramón Gaya con los pintores que más admira en el escenario del lienzo o del papel. Un recorrido asistemático por las obras de una serie de pintores, dispares en su procedencia geográfica, alejados en el tiempo, distintos en su apariencia formal pero todos ellos poseedores de una gran fuerza creativa.

Me gustó la forma en que Ramón Gaya pintaba cuadros de otros artistas a modo de homenaje, pero a su manera, con su propio estilio y arte. Con pinceladas pequeñas y con mucho color. Creo que fue una buena exposición porque no es muy frecuente ver cuadros como las meninas, el bañista de Rembrant, etc, pintados por otros artistas y con otro estilo muy diferente al que pintaba el artista original.

JULIAN OPIE, IVAM

Esta instalación de Julian Opie se encuentra en el Instituto Valenciano de Arte Moderno. Del 1 de junio al 22 de agosto, 2010.

"Trato de crear una especie de historia, una narración, utilizando los accidentes de la arquitectura. Algunas obras las habría creado de todas formas, otras son adaptadas y ampliadas para el lugar.
Cuando es posible, intento salirme del estricto espacio de exposición. El vestíbulo, la fachada, las ventanas, la tarjeta de invitación y el catálogo son espacios para ser utilizados, lugares para prolongar la narración.

Las historias necesitan capítulos y esta exposición está dividida en 3 capítulos: caminar, retratos y baile.

Así que la primera obra de la exposición te guía desde la calle hasta la entrada principal. Pensando en las estatuas griegas que se integran en la arquitectura, los frisos egipcios que bordean las entradas de los templos y la multitud de extraños en cualquier calle de una ciudad, las figuras andantes de la primera escultura LED en el balcón caminan infinitamente hacia la exposición. Las siguientes dos obras utilizan otro material urbano común, el vinilo.

Las primeras imágenes eran probablemente siluetas. La primera vidriera de vinilo se llama “personal de galería” y representa a 5 miembros de una galería de Londres en posiciones cambiantes (hay dos sets más). Como una película animada en blanco y negro, adoptan posiciones alternativas que cuentan diferentes historias.

La Galería Uno exhibe el tema de caminar, en el que he estado trabajando los últimos ocho años. Las personas están en constante movimiento hasta que mueren y quizá la mayor parte de las personas que vemos están caminando.

Las siguientes 3 galerías abarcan unos 13 años dibujando rostros o retratos. Antes que rostros dibujé figuras completas con círculos como cabezas basándome en las señales de tráfico y de los aseos.

Todo el mundo tiene un rostro magnífico. Me sentaba en el metro y me imaginaba dibujando a la gente que tenía enfrente; cada uno de ellos parecía una mejor imagen universal y sin embargo individual.

Las siguientes dos salas muestran en qué momento estoy ahora en cuanto a los retratos. He utilizado retratos de los siglos XVII y XVIII y el manga y anime japonés ampliamente como fuentes y referencias.

Cualquier imagen, una vez dibujada en el ordenador, me permite realizar una serie de obras.
Utilicé viñetas manga que tengo para sugerir las poses que tomaron y una iluminación dramática para evocar una sensación de acción.

Para el proyecto Catarina expuesto en la última sala, adhiero el vinilo a una especie de lienzo de plástico y lo extiendo como una pintura normal sobre listones de madera. Catarina es una bailarina de ballet profesional (española). Le pedí que bailara el mismo baile ocho veces en mi estudio, cada vez con una ropa diferente. Esta es la primera vez que utilicé una cámara de video en vez de una fotográfica y pienso que esto explica la sensación de movimiento en sus poses. Convirtiendo la imagen en tres dimensiones sobre lámina de acero, el dibujo plano puede ponerse en pie y bailar sobre el suelo."

Me gustó esta instalación por la originalidad de las obras, ya que no es el tipico oleo sobre lienzo. Un arte diferente que no estamos muy acostumbrados a a ver, también con una historia y una idea previa.

VROOM, VROOM. Lorenzo Quinn. IVAM

Vroom Vroom es una instalación de Lorenzo Quinn en el Instituto Valenciano de Arte Moderno.

"Todas y cada una de mis obras son pequeños trozos de mí, son vivencias, pensamientos, deseos, sensaciones, anhelos...

Vroom Vroom representa parte de mi independencia, de mi liberación, de mi crecimiento personal. Este fue el primer coche que compré con el dinero que gané en mis primeros trabajos. Me costó mucho conseguirlo, pero el comprarlo, fue para mí una liberación. Había conseguido algo muy deseado y lo mas importante, lo había conseguido con mi propio esfuerzo. Ya no dependía de mis padres, ya era mayor.

Este coche ha sido para mi un talismán. Un día visitando mi estudio con un cliente, éste me comentó 'que coche tan pequeño, parece un juguete'. Este comentario me hizo reflexionar.

Muchas veces la única diferencia entre un niño y un adulto es el precio del juguete.

Realmente este coche había sido para mí un juguete, me había costado mucho conseguirlo, y una vez conseguido había disfrutado mucho con él.

Creo que con el paso de los años, la presión social hace que perdamos la inocencia y la ilusión por las pequeñas cosas. Eso consigue que acabemos olvidando al niño que llevamos dentro.

La realización de esta obra desea representar e inmortalizar la inocencia y la ilusión por las pequeñas cosas que nos hacen felices."

Me pareció fantastica esta instalación, sobre todo por lo que representa. Cuando lo vi a primera vista me causó sensación ya que el artista juega con los tamaños, me gustó; me pareció una idea original y graciosa. Pero después, lo verdaderamente importante de la instalación no es ese juego de tamaños, sino lo que quiere trasmitir con ello. Y por eso me parece un artista estupendo, ya que ha conseguido, a través del arte, trasmitir sus sentimientos y pensamientos mas íntimos.

y su obra no solo se queda en algo bonito.

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

El Real Sitio de La Granja de San Ildefonso surgió entre 1720 y 1735 al comprar Felipe V las tierras de una granja de los montes jerónimos, sobre las que se construiría el Palacio y sus jardines. El palacio se edificó en 1720-1723, con diversas ampliaciones en la década siguiente, y los jardines en las mismas fechas según los diseños del francés René Carlier.

El Real Sitio sería usado como residencia de verano de los reyes de España desde entonces y hasta la época de Alfonso XIII, y no ha sufrido modificaciones importantes desde el siglo XVIII, salvo las restauraciones llevadas a cabo después del incendio de 1918.

Pero además del Palacio, el Real Sitio debe su fama a los espléndidos jardines decorados con numerosas esculturas, cascadas y fuentes, realizadas en plomo pintado de color bronce. Aún en la actualidad se conserva el complejo trazado de conducciones de agua y depósitos que las alimenta con aguas traídas desde los arroyos de las vecinas montañas. Este ingenioso sistema permite alcanzar una extraordinaria altura en algunos surtidores, como el de la fuente de la Fama, que llega a los 40 metros de altura. Otras fuentes que merecen una visita son las de Neptuno, Apolo, Andrómeda, la Cascada ante el Palacio, las de las Ocho Calles, el Canastillo y los Baños de Diana.

Los jardines están formados por parterres y bosquetes delimitados con arbustos y alineaciones de tilos y castaños de Indias. En el siglo XIX se introdujeron nuevas especies, sobre todo coníferas, como las monumentales secuoyas, plantadas ante la Colegiata.

El interior del Palacio alberga interesantes bóvedas pintadas al fresco de la época de la construcción del mismo, así como mobiliario y pintura de los siglos XVII y XVIII.

Merece la pena visitar este sitio, tanto por sus fuentes y jardines como por el palacio, y la gran cantidad de tapices inmensos que alberga en el interior.

FOTOPRES La Caixa 09

FotoPres es uno de los concursos de fotografía de prensa con más historia y reconocimiento del Estado español. El certámen se organiza con el objetivo de dar a conocer y difundir la fotografía documental, y contribuir a la consolidación, en nuestro país, del documentalismo contemporáneo. Cada dos años la Fundación ”la Caixa” otorga seis becas a proyectos fotográficos inéditos y tres premios a trabajos realizados en los últimos dos años. La exposición muestra las propuestas seleccionadas como premios y becas en la edición del año 2009. Se trata de proyectos con un alto contenido social, que ofrecen un análisis intenso de la actualidad. Los premiados FotoPres'09 son: Emilio Morenatti (Primer premio), Walter Astrada (Segundo premio), Alfonso Moral (Tercer premio), y los becados FotoPres'09: Mikel Aristregi, Lurdes R. Basolí, Jo Expósito, Aleix Plademunt, Marta Ramoneda y Fosi Vegue.

Esta exposición muestra nueve reportajes de otros tantos fotoperiodistas. Cuando este año concedieron el World Press Photo 2010 a Pietro Masturzo por su serie Azoteas de Esperanza, no gustó a mucha gente por aquello de que estaba tomada desde lejos y no había primeros planos. En este premio da la impresión de que han valorado precisamente eso, primeros planos, y fotos cuanto más duras, mejor.

El primer premio se lo ha llevado Emilio Morenatti con una serie de primeros planos de rostros de mujeres a las que han quemado la cara con ácido. Son imágenes bastante explícitas y muy duras a las que les sobra cualquier texto, tienen como título "Reportaje sobre la violencia de género en Pakistán" se le queda corto.

El siguiente fotógrafo premiado Walter Astrada presenta su reportaje "Violencia en la Kenia postelectoral", aunque a primera vista no es tan crudo, tiene fotos todavía más duras.

Y el tercer premiado Alfonso Moral, aunque menos crudo, también muestra un reportaje sobre la miseria en el Líbano. Fotos de pobreza contrastadas con una única fotografía de una familia adinerada.

Estos tres reportajes te los encuentras nada más entrar, y la verdad es que impresionan tanto que se te pone mal cuerpo.

Este tipo de fotografía es necesaria para denunciar y dar a conocer lo que sucede en el mundo.

En los siguientes reportajes, aunque la temática en casi todos sigue siendo la miseria humana, son algo menos explícitos.

Mikel Aristregi nos lleva un poco más al norte, a Mongolia. -40º / 96º es su reportaje con la pobreza, marginación, miseria, animales muertos...como protagonista. El alcoholismo en Ulán Bator. También hay imágenes duras, lo que pasa que para ver estas mismas caras no hace falta irse a Mongolia, en varias plazas del centro de Madrid se encuentra ese tipo de personas

Jo Expósito, su reportaje sobre los inmigrantes subsaharianos sin papeles se desarrolla en Barcelona. Y al igual que sucede en el anterior, está hecho en Barna, pero podía haberse hecho en un suburbio marroquí.

En el de Aleix Plandemunt titulado Dubailand es el contrapunto al resto, ya que está dedicado a los excesos de los jeques en Dubai.

Marta Ramoneda con su reportaje hace otra denuncia sobre Pakistán, en este caso, la persecución que sufren los transexuales en aquel país.

Por extraño que parezca, sólo hay una serie en blanco y negro, la de Lurdes R. Basoli. En esta ocasión dedicada a los barrios chabolistas que hay entre los rascacielos en Caracas.

El que se sale un poco de la temática del resto, porque no todo el fotoperiodismo tiene que hacerse sobre el mismo tema es, el reportaje de Fosi Vegué. Va sobre las salas de fiestas, lo que fueron en los 70. La hipocresía de esas fiesta se muestran en un foto que especialmente me llamó la atención, donde aperece la riqueza, vestidos y lujos de la fiesta, y encima de la mesa un mechero super cutre.

Y para acabar, una proyección donde los fotógrafos cuenta su experiencia al hacer el reportaje.Aparte de los reportajes hay una especie de aula dedicada a Fotohistorias. Proyecto educativo dirigido a estudiantes de la ESO.

Miquel Barceló, CaixaForum Madrid

CaixaForum Madrid repasa los últimos 25 años de trayectoria del artista en una gran muestra que permite al espectador vivir la experiencia pictórica de Miquel Barceló (Felanitx, 1957). La exposición organizada por la Obra Social ”la Caixa” no sólo celebra los logros de este importante artista vivo de talla internacional en los últimos 25 años, sino que sobre todo ofrece al espectador la posibilidad de entender el misterio, la adrenalina y la incertidumbre personal que implica el proceso creativo de Barceló. Así, esta muestra es clave para poder experimentar de forma coherente y emocionante la obra de Barceló a partir de 140 obras, desde grandes telas creadas a partir del año 1982 hasta las más recientes, pasando por sus piezas cerámicas y escultóricas, sin olvidar las acuarelas, dibujos, pósters, libros y cuadernos de viaje. Todo ello permite subrayar el ritmo y la variedad de su trayectoria. El objetivo de la muestra es que el público pueda vivir la obra de Barceló como una experiencia. Para ello, el artista se ha implicado directamente en la selección de obras, prestando algunas telas de su propia colección que convierten la exposición en un auténtico acontecimiento, y no tanto en una retrospectiva de su trabajo. El público descubrirá su respuesta enérgica al mundo material, su relación con la tradición, sus viajes —físicos y mentales, y a través del espacio y el tiempo, el uso de elementos insólitos y su representación del mundo humano y animal.

Miquel Barceló en exposición en CaixaForum Madrid es la gran retrospectiva del artista contemporáneo español.

Miquel Barceló en exposición en CaixaForum Madrid, bajo el título La solitude organisative, es una muestra que reúne 180 obras entre pinturas, papeles y esculturas de Miquel Barceló. La exposición de Barceló es un recorrido cronológico de su trayectoria de 1983 a 2009.
La propuesta: esta exposición tiene como objetivo mostrar las facetas e influencias en la obra de Barceló, uno de los artistas españoles más reconocidos en todo el mundo.

En mi opinión una exposición muy curiosa y entretenida de ver, diferente a muchas otras, y sobre todo original. Un arte muy particular y diferente. Merece la pena verlo.

PAUL GAUGUIN - Escritos de un salvaje

Paul Gauguin - Escritos de un salvaje. Ediciones Istmo, S.A., 2000

Si hay un personaje legendario entre los artistas modernos, ese es Paul Gauguin. La leyenda, el mito, el personje novelesco que él mismo tanto contribuyó a crear nos ha hecho, en muchos casos, muy dificil distinguir lo que de verdad y mentira, de hechos y de literatura existe tanto en su biografía como en su figura artística. Su alejamiento de Europa, que oscurecía convenientemente su perfil tras una cortina de aventura, locura o valentía o, simplemente inadaptación, contribuyó en gran medida a la creación de un mito que, tanto él como sus amigos se ocuparon de preservar cuidadosamente desde la lejanía.

Quizás esperaba mas de este libro, en mi opinión no me ha gustado tanto como creía. Gauguin habla demasiado de su vida en un lugar, otro, su opinión y relación con otros artistas, etc. y apenas cuenta nada de su pintura, su arte, sus cuadros, y su particular modo de entender el color.

En realidad la forma de pintar de este artista no es de mi agrado, aunque sin duda reconozco que es un gran artista moderno. Lo que admiro de él es su originalidad y diferencia respecto a otros artistas. Según Gauguin, para buscar la verdad en el arte había que remontarse a los orígenes, a las cosas en estado puro, salvaje, a la humanidad en estado infatil; por eso pinta de esa manera y viaje a lugares salvajes; él es o quiere ser un salvaje.

Lo que mas me gusta de este artista sin lugar a dudas es que su arte tiene su punto de partida en las emociones, trasmitidas a través del color, un color libre y arbitrario, y no sigue las reglas académicas y los colores de la realidad. Se trata de emociones y sensaciones que se originan en el propio pintor y que hacen referencia a una visión interior que obsesionaba a Gauguin. Una visión liberada del estudio visual de la realidad. Por eso el pintor llegaba mucho mas allá de la realidad tangible.